AsturScore: Lo Mejor del 2015

Año tras año, siempre nos reunimos para hablar de bandas sonoras, música de ayer, de hoy y hasta del mañana (el año pasado, en el 2014, se hablaba de John Williams y su futuro Star Wars, y ahora ya podemos no solo hablar de ello, sino escuchar la fuerza de su música). Y ahora, a comienzos del 2016, la plana mayor de AsturScore se reúne para votar humildemente lo que nosotros creemos es lo mejor del año, un año marcado por la desgracia.

Y es que la muerte de James Horner, uno de los más grandes, es algo que nada ni nadie puede olvidar; nos ha dejado atrás en el que, sin ningún género de dudas, ha sido uno de sus años más prolíficos en los últimos años, fuera y dentro de la pantalla. Su Wolf Totem es prueba irrefutable de ello. Me he emocionado como nunca viendo la película y disfrutando del hacer de un genio que ya no volverá a ofrecernos nada nuevo. Y eso me mata, máxime con la edad que tenía Horner. Ya nada volverá a ser igual.

Asumiendo esta gran pérdida como punto de partida, y con el sentido homenaje que realmente merece el Maestro (a quien rendimos tributo el año pasado), os dejamos aquí a los ganadores, y debajo nuestras votaciones y comentarios, como todos los años.

Gracias a todos por estar ahi, y nuestros mejores deseos para James Horner. Dedicado a ti, Maestro.

Un fuerte abrazo a todos!!!

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BRAULIO FERNANDEZ

• Mejor BSO

1- Wolf Totem (James Horner)

2- Jurassic World (Michael Giacchino)

3- The Martian (Harry Gregson-Williams)

4-  Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

5- The Man From U.N.C.L.E. (Daniel Pemberton)

En un año magnífico para la música de cine, coronado por muchos de los grandes compositores que nos engancharon a esto, unos en sus últimos capítulos y otros, desgraciadamente, habiendo escrito el epílogo, tenemos fortuna de contar con generación relevo, y con una nueva hornada que empieza a empujar.

James Horner compuso una de sus mejores obras, mucho decir, para su cuarta película con Jean Jacques Annaud. Una música emotiva y emocionante para una gran película, perfecta para que el maestro californiano hiciese lo que mejor sabía hacer: inspirar. Ido el último lobo, las heridas de los meses posteriores fueron lamidas con Giacchino, de los pocos que hoy en día escriben melodías que conecten con el espectador, para que éste sea partícipe de la narrativa. Su Jurassic World es digno competidor de aquella gran obra de Williams de los noventa.

Dos Williams regresan a la primera línea. El primero, Harry, tras un par de años a “low cost”, con una de  las mejores obras de su carrera, «The Martian», también para Ridley Scott, como la que probablemente sea la mejor, una década antes. Y el otro Williams, el que nunca es “el otro”, que firma, eso sí, un “otro”: otro clásico. Con la última de Star Wars, magnífica de principio a fin, y que hubiera sido redonda de ser más fresca, más innovadora. Por último, la nueva generación, encarnada en el británico Daniel Pemberton, que rompe en la escena con dos geniales obras, la de Jobs, y especialmente “Uncle”, una oda a la verdadera música de cine, donde lo clásico y lo moderno se funden para, con pocos recursos, ser parte fundamental de la narrativa fílmica.

• Mejor Tema

1- Return to the Wild from Wolf Totem (James Horner)

2- Celebrations from The 33 (James Horner)

3- Hope Vs Escobar from Southpaw (James Horner)

4- As the Jurassic World Turns from Jurassic World (Michael Giacchino)

5- Crossing Mars from The Martian (Harry Gregson Williams)

No diré más de Horner pues ya se ha dicho. Los tres cortes mencionados son pura emoción. Es aquella que embarga al escuchar el magnífico tema principal de Giacchino para Jurassic World cuando los jóvenes protagonistas entran al parque. Sólo es comparable a la que sentí con trece años al ver el helicóptero llegar por primera vez a la Isla Nublar. Para de Marte, no sabía muy bien si escoger Fly like Iron Man, con esas trompas que embargan al final (con hasta gran momento Vangelis). Pero al final he optado por Crossing Mars, que es la razón de que me guste la música de cine. Hay Horner en ella, y también Goldsmith, pero sobre todo hay tema, hay variación en instrumentación, color, inspiración.

• Mejor compositor

1- James Horner

2- Michael Giacchino

3- James Newton Howard

4- Daniel Pemberton

5- Brian Tyler

Cantidad y calidad. Horner y Giacchino. En uno de los mejores años de la carrera de ambos. De Giacchino desde luego creo que el mejor, con varias obras fantásticas, además de la jurásica, Inside out, Tomorrowland y Jupiter Ascending. Nadie va a componer más como Horner, y probablemente será difícil sentir lo que se siente en un pequeño drama como Southpaw, ni experimentar lo mucho que tenernos que ver con la Tierra en cada nota, como sucede al ver “The 33”. Es una experiencia única, que en 2015 repetimos varias veces.

Además, y con el mencionado Pemberton irrumpiendo a lo grande, Brian Tyler ha firmado un gran año, con músicas a lo grande para algunos de los más importantes éxitos del año, como Los Vengadores 2 o Furious 7, pero también componiendo tensión y misterio para drama, algo que se le da francamente bien, como en Truth (La Verdad). Finalmente, el que nos queda, James Newton Howard, que incluso en años no tan fuertes resulta imprescindible, poniendo el cierre en escala mayor a los juegos del hambre, pero sobre todo, mostrando sus habilidades para el drama serio en “Concussion”, un género en el que ojalá se prodigue más en los próximos años.

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GORKA OTEIZA

 

El 2015 ha sido un año muy bueno en lo que respecta a música de cine, ya que hemos tenido cantidad sin sacrificar calidad. Muchos compositores han dado el “do de pecho”, y nos han dejado muchas buenas bandas sonoras.

Como resultado, tenemos que me ha sido bastante difícil elegir lo mejor del año sin dejar nada fuera (y eso sin haber podido escuchar todo lo que se ha editado, ni haber podido ver todas las películas con su música correspondiente para evaluar en consecuencia). Ahora bien, intentando ser lo más justo posible, aquí va mi lista para las tres categoríasanalizadas: Banda Sonora, Compositor y Tema

• Mejor BSO

1- Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

La gran franquicia, ahora bajo el patrocinio de Disney, nos vuelve a llevar a una galaxia muy lejana, 10 años después de la última incursión, y como no podía ser menos, John Williams vuelve a tomar las riendas musicales de dicho viaje, encargándose de expandir el universo musical que ya había creado.

La banda sonora resulta espectacular a todos los niveles, ganando en cada escucha y tomando otra dimensión cuando se ve acompañada de la película. Dinámica, vibrante, sugerente y con energía, esta banda sonora arranca un nuevo arco argumental con fuerza, haciendo honor al título de la película.

Hay un tema principal en torno al cual gira toda la banda sonora, acordea la temática de la película, y una serie de temas casi igual de importantes, aunque no tan omnipresentes. Sin embargo John Williams no se olvida por el camino de dar las pinceladas musicales para el resto de personales (KyloRen, Poe, Finn…), algunas obvias y otras menos obvias, que no tengo duda serán ampliadas, desveladas y desarrolladas, a lo largo de las dos películas que nos quedan por disfrutar.

2- Inside Out (Michael Giacchino)

Inside Out es una película maravillosa, perfectamente arropada y narrada por la deliciosa música de Michael Giacchino. La animación siempre ha sido un género que ha permitido que la música despunte y empuje con fuerza el mensaje de la imagen, y en este caso, creo que se ha logrado a la perfección.

Con unos temas que describen estupendamente la mezcla de emociones que pasan por la cabeza de la protagonista, la música llega a contar tanto o más que la imagen, de forma que podríamos averiguar lo que está pasando casi sin mirar a la pantalla.

Alegría y Tristeza, se combinan en un perfecto binomio musical en varios temas a lo largo de la banda sonora, y se acompañan musicalmente conel resto de personajes de la historia, tanto dentro del cerebro de la protagonista como fuera.

3- Wolf Totem (James Horner)

Gracias a la fantástica partitura que nos entregó James Horner a principios del año pasado, antes de ver la película, y sólo con la música, se pueden visualizar los parajes y las situaciones por los que pasan los personajes de esta historia.

Llena de temas y construcciones musicales que se articulanen torno a un par de ideas principales, Wolf Totem es una banda sonora pegadiza, que se queda en la memoria, y que además de ser ampliamente descriptiva, bordea el lado emocional con sus melodías, pero sin pasarse en sentimentalismos, consiguiendo un equilibrio justo en este aspecto.

Además, la música en el CD tiene una escucha y disfrute sólido, sin necesidad de las imágenes, pero cuando se ve dentro de la película la música toma un sentido especial. Y si no me creéis, haced la prueba, quitad el sonido en las escenas claves, y veréis si os transmiten lo mismo o no.

4- En MaiFais ce qu’il te Plaît (Ennio Morricone)

Son varias las películas que ha firmado el maestro Ennio Morricone este año 2015 (dos o tres según cómo las contemos), pero entre ellas destaca una, la francesa “En mai, fais ce qu’il te plaît”, con una deliciosa, sensible y delicada banda sonora.

Pero aquí la fragilidad no deja lugar a la sensiblería barata, y sin perderse en la lágrima fácil, Ennio Morricone construye una banda sonora robusta en torno a un argumento ya utilizado multitud de veces, los horrores del éxodo humano en la segunda guerra mundial. Apoyándose en la idea de la esperanza sobre las tragedias de la guerra, la música aporta un contrapunto de conciliación y optimismoa la dura historia, dejando el drama para los momentos justos y requeridos.

5- Turbo Kid (Le Matos)

Este quinto y último lugar lo dejo para una banda sonora peculiar, y que estoy seguro que voy a ser el único del equipo que la mencione, pero que me parece destacable, tanto por su calidad como por la variedad que aporta al resto de elecciones realizadas.

Compuesta por el dúocanadiense Le Matos y auto editada por ellos mismos en formato físico, la banda sonora de “Turbo Kid” utiliza la electrónica como base para desarrollar las texturas musicales que la película de corte futurista y apocalíptico demanda, pero dotándola al mismo tiempo de un aire retro de los 80, que nos muestra como lo antiguo no pasa nunca de moda, incluso en el aspecto musical.

• Mejor Tema

1– Rey’s Theme from Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

La fuerza ha despertado, y así lo ha hecho la maravillosa banda sonora de John Williams con el tema principal dedicado a la protagonista femenina de la película. El tema de Rey es una genialidad en estado puro, una delicia de color, alegría, energía y vida, con una harmonía y equilibrio como pocas veces he visto, y que además, se extiende colándose en varias pistas más de la banda sonora, dando lugar a una estupenda cohesión musical.

La fuerza ha despertado, Rey ha despertado, y la música de John Williams con la que ha despertado, no podía ser mejor.

2- L´Ultima Dilegenza di Red Rock (Versione Intregrale) from The Hateful Eight (Ennio Morricone)

Maravilloso tema con el que se abre la película, con una tensión dramática que va in-crescendo, y que nos va sumergiendo en la atmósfera de la historia, antes incluso de que haya personajes en escena.

La música se toma su tiempo, de forma pausada, para ir generando una atmósfera misteriosa, opresiva y cargada, que se libera y se complementa con violines y voces de forma sublime a partir del minuto 4:30, casi en la parte final de esta larga pista de más de 7 minutos y medio de duración.

3-  Jupiter Ascending – 3rd Movement from Jupiter Ascending (Michael Giacchino)

Como si fuera una ópera dividida en movimientos, en este tercer tema, Michael Giacchino nos presenta un resumen de la esencia de la banda sonora de la película Jupiter Ascending. Un corte vibrante, energético, de acción, con fuerza y con sentimiento, destinado a removernos y a inquietarnos. Con unos coros apabullantes, y con toda la fuerza de la orquesta, nos transmite y nos hace sentir que de verdad el destino de la galaxia está en juego. Una pena que luego la película no sea capaz de tener una narración y un ritmo tan sólido como lo tiene su música, y se pierda en los excesos visuales para atenuar los fallos de la historia.

4- Return to the Wild from Wolf Totem (James Horner)

Es un tema largo, de casi 10 minutos, en el que podemos disfrutar de las delicias melódicas de la banda sonora al completo, con un giro musical y un crescendo cerca de la última parte, que ponen los pelos de punta. Sensibilidad, tristeza por una despedida pero a la vez alegría por ciclo de la vida, estupendamente combinados en una extensa pista, con la que termina esta fabulosa banda sonora.

5– Summit from Everest (Dario Marianelli)

Podríamos considerar Summit el tema central de la película, el clímax y la recompensa musical a la conquista de la cumbre del Everest.

Con piezas anteriores de la banda sonora que nos van preparando para este momento, y metales rítmicos proporcionando una base fría para marcar la incertidumbre, en este tema la música nos transmite primero la incertidumbre de la aproximación final, para dejar paso a la posterior alegría y euforia que supone alcanzar la cumbre más alta del planeta, cambiando para ello el metal por una percusión más cálida y dando mayor intensidad a la música.

Ahora bien, antes de terminar el tema, y en sus notas finales, esta pista deja entrever un toque oscuro, augurando la proximidad de los problemas que vendrán a continuación. Simplemente estupenda.

• Mejor compositor

1- John Williams

Este año 2015, y debido a complicaciones de salud que esperamos hayan quedado solucionadas, sólo hemos tenido la oportunidad de disfrutar de una obra de John Williams, “StarWars–TheForce Awakens”. Pero eso sí, vaya obra!!

La esencia musical del universo de StarWars ha vuelto para quedarse y regalarnos nuevas alegrías auditivas, retomando motivos antiguos, ampliándolos con nuevos, y generando la semilla para las próximas películas de la saga.

Dejando aparte el maravilloso tema de Rey, número uno indiscutible, piezas como “March of the Resistance”, “Scherzo for X-Wings” o “The Jedi Steps and Finale”, por mencionar sólo los más destacables, hacen de esta banda sonora la mejor de año, y de John Williams, el mejor compositor.

2- Ennio Morricone

Leyenda viva de la música de cine, y actualmente inmerso en una gira Europea para celebrar su 60 aniversario como compositor, a los 87 años de edad, poco puedo decir de Ennio Morricone que no se haya dicho ya.

Este año nos ha deleitado con 2 estupendas bandas sonoras (la francesa y poco conocida “En mai, fais ce qu’il te plaît” y la omnipresente “Hateful Eight” de Quentin Tarantino), a la que se ha sumado una tercera que ha llegado al límite de 2015-2016, la italiana “La corrispondenza”, que no sabría bien si considerarla dentro o fuera de este listado.

En cualquier caso, por méritos propios y por la calidad de las 2-3 bandas sonoras a analizadas, Ennio Morricone merece ser considerado uno de los mejores compositores de música de cine del año pasado, y sigue demostrando que todavía tiene mucho por contar.

3- Michael Giacchino

Cada vez me gusta más el estilo de Michael Giacchino. Es un compositor que veo que con cada trabajo que hace, va mejorando, como el buen vino. Este 2015, por motivos de fechas de estreno o producción, han coincidido 4 obras suyas a lo largo del año (Jupiter Ascending, Tomorrowland, Inside Out y Jurassic World), siendo todas ellas de películas de primera línea con trabajos de una calidad enorme, y que le hacen merecedor de un puesto de honor en esta lista.

4- James Horner

Desgraciadamente, esta va a ser la última vez que pueda nominar a James Horner como uno de los mejores compositores del año.

A pesar de habernos dejado el pasado mes de junio, a lo largo del año nos han ido llegando 3 obras suyas, a cada cual mejor.Empezando con “Wolf Totem”, pasando por “Southpaw” y acabando con “The 33”, hemos podido disfrutar de tres composiciones de temática variada, con la impronta de James Horner, y de una calidad indiscutible (tanto es así que una de ellas está en mi lista de las mejores del año).

5– John Paesano

Y dejo este último puesto para un compositor que me ha sorprendido bastante en 2015, John Paesano, con su fabulosa banda sonora de “My All American”, que os recomiendo totalmente, además de haber realizado un trabajo bastante bueno en “The Maze Runner – SorchTrials”.

Y por si eso fuera poco, se encarga de la música de las series “Daredevil” y “Dragons Riders of Berk” (Spin off de “How to Train Your Dragon”). Un compositor al que habrá que seguir la pista ya que estoy seguro que nos depara bastantes sorpresas.

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FERNANDO AYUSO

• Mejor BSO

1- Wolf Totem (James Horner)

El año 2015 comenzaba con la partitura soñada por cualquier aficionado al compositor californiano. Un Horner en estado puro, sacando a relucir la evolución natural de constante mejora que venía mostrando durante los últimos siete u ocho años. Sin embargo era el Horner de siempre, el compositor de grandes temas a los que sacar el mayor partido musical, el genio de lo melódico y también, por qué no decirlo, el maestro de la acción.

Para el que suscribe se trata de la mejor experiencia musical de la temporada y no podía ocupar otro puesto que no fuera el número uno del año.

2- Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

La aventura, la inocencia, el heroísmo, el romanticismo musical, la amistad, etc, etc. Pocos en la historia del cine han sabido mostrar cada sentimiento de una forma tan compleja y matizada musicalmente y a la vez asimilable cinematográficamente como el octogenario John Williams a lo largo de su impresionante carrera.

A esta altura del camino no tiene otra cosa que hacer que volver a demostrarlo con la saga que le brindó la fama y el estatus de genio en este arte.

3- En Mai Fais ce qu’il te Plaît (Ennio Morricone)

Y el que faltaba para completar el podio es uno de los genios que más ha aportado narrativamente al cine (¿quizás el que más? Quién sabe).

El maestro italiano vuelve a Francia para regalarnos una banda sonora puramente morriconiana, sacando partido en cada momento de su carácter melódico y regalándonos un final de fiesta que queda para la historia musical del compositor romano.

4- Carol (Carter Burwell)

Uno de los temas del año sirve para enmarcar una de las bandas sonoras más sencillas y a la vez más narrativas del curso. Todd Haynes hace Cine en cada plano y Burwell lo acompaña elegantemente aportando matices, dando pistas y generando lo que para mí viene a ser algo cercano a la pureza audiovisual.

5- The Good Dinosaur (Mychael Danna & Jeff Danna)

A la reducida lista de compositores que colaboran con Pixar hay que añadir a los hermanos Danna. Hay tres aspectos realmente destacables de la que por partes es una película fallida: el tempo y la ambientación (ambos en las escenas iniciales y finales del film), y la música. Y todos estos puntos tienen algo en común: el sabroso y añorado aroma a western.

Los compositores saben sacar máximo provecho a la música para el género y nos deleitan con una partitura juguetona y emotiva que solamente nos deja opción al disfrute.

Otras bandas sonoras destacables que no quiero dejar de nombrar debido a su calidad musical son las siguientes: Bridge of Spies (Thomas Newman), Third Person (Dario Marianelli), The Prophet (Gabriel Yared), The 33 (James Horner), Suite Française (Rael Jones), Southpaw (James Horner), Everest (Dario Marianelli), No God, No Master (Nuno Malo) The Great Human Odyssey (Darren Fung), La Rançon de la Gloire (Michel Legrand), Les Deux Amis (Philippe Sarde), Cinderella (Patrick Doyle), He Named Me Malala (Thomas Newman), The Hateful Eight (EnnioMorricone), Pan (John Powell), Far from the Madding Crowd (Craig Armstrong),The Face of an Angel (Harry Escott), Palmeras en la Nieve (Lucas Vidal), Paper Planes (Nigel Westlake) y sin olvidarnos de cualquiera de las compuestas por Michael Giacchino. Hay muchas más, pero me temo que debo parar.

• Mejor Tema

1-  Return to the Wild from Wolf Totem (James Horner)

Es el tema que más he disfrutado y el que más me ha hecho recordar la razón por la que sigo interesado en el mundo de la música de cine. James Horner se despide del mundo a lo grande, y lo hace con un tema inmejorablemente orquestado que desde ya entra a formar parte de la larga lista de los mejores temas del compositor californiano.

2- Fellinia from The Face of An Angel (Harry Escott)

Se trata de uno de los temas más bellos del año. Profundo y de concepción minimalista supone para mí la mayor sorpresa del curso temáticamente hablando.

3- March of the Resistance from Star Wars: The Force Awakens (John Willliams)

Es energía en estado puro, de la que te hace bailar en la butaca del cine (de hecho en mi caso así ocurrió). Williams es un genio, y no se cansa de demostrarlo. Esperemos que continúe sin aburrirse.

4- Celebrations from The 33 (James Horner)

Horner de nuevo, pero esta vez con un tema festivo a la vez que emotivo, donde los colores vibrantes de Sudamérica se mezclan con la orquestación más horneriana, y donde se intuye cierto homenaje en los coros a La Misión de Ennio Morricone. Y no es de extrañar, ya que el propio Horner la elogió eligiéndola como la que probablemente era su banda sonora favorita.

5- No One Ever Called Me That from Third Person (Dario Marianelli)

Una pieza interpretada por el propio compositor al piano es la gran protagonista de la mejor y más intensa escena de una película con un resultado final ciertamente fallido. Lo mejor de la película es la partitura de Marianelli, un trabajo dramático muy variado con momentos cumbre realmente bellos.

• Mejor compositor

Por lo reseñado anteriormente, además de la calidad de otros trabajos que no han llegado a entrar en la lista final, los compositores que considero que han estado más acertados durante el pasado año son los siguientes:

1. James Horner

De los últimos 15 años probablemente haya sido el mejor año tanto musical como cinematográfico del compositor californiano. Wolf Totem, The 33 y Southpaw dentro del largometraje de ficción, Living in the Age of Airplanes y One Day in Auschwitz en el ámbito documental y Pas de Deux y Collage en el concertístico. Un año inolvidable que pone broche a la carrera majestuosa de un compositor que, por el bien de la industria cinematográfica y hollywoodiense, no debería entrar en el olvido.

2. Michael Giacchino

A lo largo del año ha estrenado cuatro trabajos notables (pocos son capaces de conseguir tal hazaña) pero que según mi parecer se quedan lejos de lo mejor del genial compositor americano, hecho que le ha restado puntos para aparecer en lo mejor del año. Aun así, Giacchino demuestra cuatro veces más que sigue sabiendo cómo hacernos disfrutar de la música de cine; que es mucho hoy día.

3. Ennio Morricone

Hace dos años nos regalaba la mejor banda sonora del año, y ahora a sus 87 años nos presenta dos de los mejores trabajos del 2015. Aunque desgraciadamente no contó con demasiado tiempo para componer la banda sonora de la nueva de Tarantino y no hemos podido gozar de un discurso narrativo más contundente, el genio italiano apremia al séptimo arte con un tema inigualable que esperemos sea recompensado como merece (¿el oscar quizás? Puede que no sea el trabajo que más se lo merece, pero Hollywood lo ha menospreciado demasiadas veces).

4. Carter Burwell

Ha firmado cinco trabajos muy interesantes este año, entre los que destacan principalmente Mr. Holmes y sobre todo Carol, película que le ha brindado su primera y merecida nominación al oscar.

5. John Williams

El hecho de que sólo haya compuesto la música de una película no le impide ocupar uno de los puestos de mejor compositor del año. Williams regresa al universo de Star Wars por séptima vez, y lo hace por la puerta grande.

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RUBEN FRANCO

• Mejor BSO

1- Wolf Totem (James Horner)

Sin ningún género de duda alguna, la capacidad dramática de James Horner no solo está siempre a la altura de las circunstancias; su narración musical se ajusta y da forma a las imágenes, es un lienzo donde los sentimientos (maravillosamente retratados por la batuta del Maestro) tienen su reflejo musical, dando relieve y explicando mucho más de lo que las imágenes ya explican de por si, o a veces simplemente dando simples y coloridos matices de bella factura (maravilloso el tema que se saca con un par de notas para Tengger, ese Horner hermoso y lírico).

 

Además, hay épica, acción, momentos étnicos,… una joya que se constituye como el gran epitafio de James Horner. Y uno de los mejores trabajos compositivos de los últimos años.

2- Bridge of Spies (Thomas Newman)

John Williams no podía acometer esta nueva colaboración con Steven Spielberg (motivos de salud) así que (ojo al dato) recomendó a Thomas Newman.

Éste, respetando el espíritu de lo que “hubiera podido componer” John Williams, añade su estilo e impronta, y consigue uno de los mejores trabajos del año, nominado a los Oscar y que, si el Maestro Ennio Morricone no se impone en la recta final como parece que sucederá, podría llevarle a su primer Oscar (no quizás por su mejor trabajo, pero los últimos 20 minutos son espectaculares, brutales y ajustados, de antología, incluyendo el clímax final en los puentes y el regreso a los EE.UU., títulos de crédito incluidos). Y de la mano de Spielberg.

3- The Hateful Eight (Ennio Morricone)

Que si. Que hay reciclaje sonoro del material del Maestro italiano para The Thing (incluso en el espléndido y sugerente tema Neve compuesto específicamente para la película), pero su tema central ,omnipresente en la partitura (excepcional apertura) es desde ya un clásico cinematográfico y musical, quizás una de las principales razones que le llevarán al Oscar.

4- Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

Es John Wiliams. Es Star Wars. No se necesitan más explicaciones. Y añádele el tema de Rey, de la Resistencia, de KyloRen,…

Un discurso musical que debería ser estudiado por los compositores actuales, a ver si muchos aprenden algo de los “viejos maestros”.

5- Spectre (Thomas Newman)

Está un peldaño por debajo de Skyfall (por favor, no hablemos del eterno dilema sobre John Barry… John Barry es DIOS en el tema Bond), pero es más disfrutable aún si cabe que Skyfall (la cual, dicho sea de paso, me encanta, otro trabajo que no puedo dejar de revisitar de vez en cuando). Le falla la canción principal (no es culpa de Thomas), pero Newman lo convierte en un temazo orquestal digno de Bond en el disco, sumando momentos de brillante factura melódica (Madeleine, Donna Lucia o el genial y brutal Crows Klinik).

Además, Thomas Newman se suelta el pelo y ofrece un Tour de Force musical de acción brutal (Backfire, Safe House o Snow Plane lo demuestran), y un tema para la organización Spectre que es muy sugerente y evocador (verdaderamente espectral). Un placer culpable al que no puedo resistirme a volver una y otra vez.

• Mejor Tema

1- Return to the Wild from Wolf Totem (Alexandre Desplat)

La Magia existe, y este tema es prueba de ello. Una del tipo que ya no volverá, tristemente, pero que podremos disfrutar una y otra vez en pantalla y en el disco. El Último Lobo regresa a la naturaleza, y Horner nos toca la fibra como nadie podría hacerlo. Una auténtica delicatessen. El epitafio musical final de Horner con el que quedarse (lástima que la Academia de los Oscar ni tan siquiera haya nominado este partiturón musical).

2- The Homecoming from Bridge of Spies (Thomas Newman)

Si alguien demandaba el regreso del Thomas Newman de Shawshank Redemption, Road to the Perdition o The Green Mile (por cierto, que nunca se fue, siempre estuvo ahí, con solvencia y oficio), este tema, los end titles y la secuencia de los intercambios en los puentes (Friedrichstrabe Station) nos demuestran que la inspiración y el oficio de Newman están fuera de toda duda. El tema principal suena más enérgico que nunca, un coda final para la odisea del protagonista principal, rendido hasta la extenuación, y donde Newman aprovecha, como hiciera el bueno de Williams en War Horse, los minutos finales para ofrecer un discurso musical clásico, sentido y ajustado.

Thopmas Newman es un compositor de los pies a la cabeza, y hay que dar gracias porque este señor siga trabajando en un Hollywood que a veces abunda en la rutina y la mediocridad (fuera del mundillo, hay mejor cine). Y quien sabe, quizás estemos viendo al futuro relevo de Williams en el Universo de Spielberg. Eso si, de ase así, que sea dentro de muchíiiiiiiiisimos años.

3-  L´Ultima Dilegenza di Red Rock (Versione Intregrale) from The Hateful Eight (Ennio Morricone)

Plano abierto, una cruz de madera con un cristo colgado realmente inquietante, la nieve llenando el paisaje y una caravana que se aproxima en la lejanía. Y Ennio Morricone poniéndonos en situación, comenzando ya a NARRAR, a CONTARNOS, a inquietarnos con un tema sugerente y tenso, muy de la clase del Maestro italiano, uno que ya quedará para los anales de la historia.

Del resto, que está genial (incluyendo el material propio pero ya compuesto para The Thing), da igual ya; solo la apertura es digna de canonizar, así de claro. Brutal. Una experiencia.

4- Rey’s Theme from Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

Aparece Rey en pantalla, dando piruetas de un lado a otro dentro de unas enormes ruinas provenientes de batallas entre el imperio y la rebelión. La música es misteriosa y sugerente, casi emulando el sonido de un eco lejano (viejas glorias). Cuando Rey sale al exterior, con sus «tesoros» recién adquiridos, una música bella y hermosa aparece en pantalla, y mis pelos se ponen como escarpias. Miro a mi izquierda y veo a Berto, a quien solo con mirarle a los ojos veo que piensa igual que yo. «Es Williams», me dice.

Queda dicho todo. Una auténtica maravilla de un tío que no deja de maravillarme año tras año. Es, de lejos, uno de los mejores cortes no del año pasado, sino en muchos años.

5. Crows Klinik from Spectre (Thomas Newman)

Hay muchos buenos momentos en ésta partitura, como los bellísimos cortes Madeleine o Donna Lucia, la espectacular llegada a Roma, o varias de las persecuciones, pero la ESCENA que me cautivó es cuando Bond , tras visitar al «rey pálido», va en busca de la hija de éste, Madeleine, a la clínica Hoffler en Austria.

La escena, una belleza toda ella (Fotografía y dirección de Mendes espectacular), recibe un tratamiento de Thomas Newman impecable; belleza y espectacularidad se dan la mano en el que, quizás, sea uno de los mejores momentos del año, y el mejor de Spectre.

• Mejor compositor

1- James Horner

No hay duda. Y eso que aún no he procesado todo el volumen de trabajo del compositor, pero su Wolf Totem y esa maravilla que es el Pas de Deux certificaban el gran momento de forma de James Horner, que ya nos había regalado joyas como su intervención en Spiderman (ejemplar trabajo para el mundo de los superhéroes), la frescura de The Karate Kid o la épica de Avatar.

2- Thomas Newman

Su nuevo capítulo en Spectre demuestra que tiene habilidad para la música de acción, además firma uno de sus mejores trabajos en los últimos años, de la mano de Spielberg, en Bridge of Spies, recomendado por el Maestro Williams y nominado al Oscar, redondeando el año con el documental de temática hindú He Named Me Malala, siguiéndole la segunda parte del hotel Marigold (The Second Best Hotel Marigold), donde nos muestra de nuevo su lado étnico e hindú con música aún más rítmica si cabe.

Es un gran año para Thomas Newman, y espero lo redondee con el Oscar. Y sino, seguiremos disfrutando de su música. Que más da.

 

3- Ennio Morricone

Ha ganado multitud de premios por su participación en The Hateful Eight, en la ansiada colaboración (por fin) con Quentin Tarantino, y sin ser quizás el mejor trabajo por el que haya podido ser nominado, aunque si uno efectivo y brutal con las imágenes, su nuevo «western» a la Tarantina puede llevarle al Oscar y evitar el bochornoso Oscar honorífico concedido.

Súmale que encima, siendo mejor trabajo, tenemos otra brillante irreupción del italiano para el drama En Mai Fais ce qu’il te Plaît. Lo dicho, puede ser el año del Maestro Morricone.

4- Michael Giacchino

Vuelve a estar en forma. Necesitamos a éste hombre en forma. Éste año nos ha regalado acción, aventuras y animación, casi nada (Jurassic World, Inside Out, Jupiter Ascending y Tomorrowland). Con poquito de él  nos conformamos, pero cuando además está bien, cuando está en estado de gracia, es un placer ver las películas donde suena su música.

Solo le falta más regularidad y chispa, y estaremos hablando de un gran compositor. Giacchino es uno de los mejores valores que tenemos. Que siga cotizando, que va en la buena línea. Ya lo demostró con Up, Ratatouille y Star Trek.

5- John Williams

Que se puede decir a éstas alturas que no se haya dicho ya. Estamos hablando de JOHN WILLIAMS. Que no nos falte.

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DANIEL FERNANDEZ

• Mejor BSO

1- Cinderella (Patrick Doyle)

Como el fino cristal que se resquebraja si golpeas un poquitín más de la cuenta, como el suave blandir del terciopelo, terso y suave al contacto con la piel es esta maravilla llegada de la casas de los sueños, Disney. Estamos hablando, en mi opinión, de una de las más bellas, sofisticadas y delicadas partituras del presente siglo, ahí va ese órdago.

Patrick Doyle, el cual muchos daban por enterrado yo otros, ignorantes nosotros,  aún andábamos preguntándonos que había sido de ese compositor que nos había deslumbrado con trabajos de insigne fuerza y refinada elegancia  en los 90 vuelve no sólo con uno de sus mejores trabajos (probada obra maestra) sino con uno de los más maduros y mejor compenetrados con el corazón y el espíritu de la película. No sólo encontramos una musicalidad exquisita y un contagioso candor a través del tema compuesto para la protagonista (un delicado cristal que sólo el más bruto osaría romper) sino que al compositor le da tiempo para desatarse con suntuosos vales y graciosas polkas que dan una prestancia, más si cabe, a un trabajo que es todo un cuento sonoro, un regalo para los oídos y las almas de aquellos en los que aún creen en los sueños.

2- Jupiter Ascending (Michael Giacchino)

Es increíble el tremendo esfuerzo que tienen que hacer algunos compositores para hacer su trabajo, más si cabe cuando tienen que sacar máximo partido a sus neuronas siendo el material que tienen delante digamos no muy inspirado. El mejor compositor, para mí, no es el que hace una gran música sino aquel capaz de entender a la perfección cuál es la esencia de lo que tiene que musicar y sacarle el máximo partido. Los hermanos Wachowski han encontrado a su particular cazarrecompensas en la figura de Michael Giacchino, un compositor que no sólo entiende su cine, sino que lo tolera. Doble premio para el americano.

El destino de Júpiter es un completo galimatías, una fábula galáctica sin pies ni cabeza, una epopeya familiar que no va a ningún sitio, sin razón de ser alguna y que ni el traductor de google sería capaz de descifrar. Pero al fin y al cabo eso es lo que es (o al menos eso es lo que nos quieren dar a entender) y eso es lo que el compositor, en un más que loable esfuerzo casi sobrehumano diría yo, ha querido traducir con su música.

Michael Giacchino se pone, más que nunca (incluso más que en Speed Racer) el mono de trabajo y compone una portentosa elegía galáctica plagada de trepidantes e inspirados temas de acción, portentosos y elegíacos coros dotando a la película de una sorprendente trascendencia dramática dónde lo único que hay es un absurdo conflicto entre personajes que parecen sacados del Circo del Sol. Una lucha del bien contra el mal en toda regla que, además, se permite el lujo de tomarse en serio a sí misma. Giacchino merece ser canonizado.

3- Star Wars: The Force Awakens (John Williams)

4-  The Man From U.N.C.L.E. (Daniel Pemberton)

…porque tiene ritmo, tiene swing, tiene vida en sus notas pese a, desde luego, no estar entre lo más elaborado del año… sencillamente porque le da ese toque cool y desenfadado que le hacía falta a un 2015 demasiado serio.

5- Krampus (Douglas Pipes)

…por ser casi con toda seguridad la partitura del año que mejor ha entendido el film  que musicaba, captando el espíritu cínico, socarrón y de mala leche de las mejores comedias negras navideñas y en especial por supuesto de esta película haciendo una deliciosa y malévola adaptación de distintos temas navideños.

1- L´Ultima Dilegenza di Red Rock (Versione Intregrale) from The Hateful Eight (Ennio Morricone)

Magistral. Ennio Morricone compone un auténtico tema de terror para una película que en realidad es un western. La idea no puede ser más brillante. El aire siniestro y de turbia sospecha que se respira en el ambiente será uno de los muchos sellos de identidad de esta excepcional película y no menos brillante banda sonora.

Los impactantes títulos de crédito nos muestra el tema en su versión íntegra y ya nos va anunciando que algo huele a podrido en la posada de Minnie. Una obra maestra.

Esta elegante adaptación de la novela de Thomas Hardy no merecía otra no menos que sofisticada escenificación musical. Este Opening representa ese aire bucólico y apacible que se respira en la campiña inglesa así como el acento romántico que marcará toda la partitura y en especial el primer encuentro entre los protagonistas. De hecho es un tema en el que confluyen el carácter de ellos dos, más indómito e impulsivo en ella, cercano al elemento fuego y más adusto y templado en él, cercano al elemento tierra constituyendo así un apasionado y elegante contra reflejo de lo que es el mismo paraje donde se desarrolla la historia.

Es un tema realmente hermoso en su ejecución, radiante en su aspecto evocador y muy sutil en expresar un romanticismo que sale de las mismas entrañas de una naturaleza que se revela salvaje a la vez que maleable.

Inspiradísimo uno de los temas centrales de la película En el corazón del mar de nuestro querido compositor. Una especie de canto marino que parece llorar la devastación de este medio propulsado por la codiciosa mano del hombre. La película nos narra el largo periplo de unos balleneros por conseguir el aceite y la carne de éstos mamíferos. Su ambición irá cada vez a más y ello les arrastrará hacia aguas poco exploradas y a toparse con una gigantesca ballena blanca.

Helman Melville ya había establecido en su obra Moby Dick (en cuyo relato se inspira la película) a modo de alegoría el dominio que el ser humano ejerce sobre su medio y le invocación del gigantesco cetáceo no es sino el brazo del que se sirve la naturaleza para castigarlo. Roque reflejará esa especie de relación imposible entre ambos de forma sumamente hermosa y estremecedora a través de la voz de Lotti Rhodes regalándonos un tema que parece salir de las mismas entrañas del mar y que trasciende lo meramente terrenal para convertirse en algo espiritual. Desde ya figura entre los temas más líricos y evocadores del presente siglo para una película.

4- The 33 from The 33 (James Horner)

Horner compone uno de esos temas que respira por sí solo, que es todo un canto a la vida y aferrarse a ésta cuándo todo viene parece venir en contra. Es festivo, alegre y contagioso en su  ritmo. La instrumentación étnica, tan utiliza por el compositor en tantos de sus trabajos vuelve a ser protagonista llevándonos a la tierra de los protagonistas, Chile. En la película funciona a modos de arenga que les insufla esperanza y fe cuando los ánimos están más próximos a desfallecer.

En medio de una partitura extremadamente conservadora y convencional, insulsa en ocasiones y baldía en su elaboración brilla su tema principal con algunas de sus variaciones como Scott Surfs on Ants o Insicticide. Es un tema enérgico, muy rítmico y muy apropiado para el personaje principal simulando un ser de gran fortaleza pero que a la vez se desplaza de forma muy peculiar, como si fuese una hormiga. Las cadencias de los ritmos están conseguidísimas y el tema es realmente inspirado.

1- Michael Giacchino

Ha sido un año cargado de exigencias y de atractivos proyectos para el compositor americano que ha solventado con la profesionalidad que la caracteriza y respetando, sea cuál sea, la calidad del material sobre el que le tocaba escribir. No en todos ellos se le ha notado la misma entrega e inspiración (algo que resulta hasta normal) pero sí que siempre ha quedado patente ese compromiso con el que afronta todos sus proyectos construyendo verdaderos textos musicales de sus películas.

En Jupiter Ascending nos dejó todo un tratado de cómo construir música de acción, hacer fascinantes giros musicales y combinarlos con una trascendencia en lo dramático que hace que una película completamente absurda y anodina parezca toda una elegía espacial.

Tomorrowland le invitaba a meterse de lleno en un mundo de fantasía y explotar su vena más juguetona y melódica. De nuevo, el compositor vuelve a dar trascendencia a una película más bien tibia construyendo una música muy jovial y dinámica con un excelente tema principal que parecía sacado más de un parque de atracciones que de una película. Es tal vez la partitura en la que el compositor más tira de recurso pero a la vez de la que más se beneficia la película imprimiéndole alegría, fortaleza en su mecánica e ilusión.

El gran reto de este año se llamaba Jurassic World y puesto que superar lo he hecho por John Williams era imposible las miras estaban puestas en al menos construir un score lo suficientemente potente y resultón para que el espectador pudiese quedarse pegado a la butaca y poder revivir el peligro que encerraba el nuevo parque así como verse atrapado por sus encantos. Objetivo conseguido sólo a medias pues aunque la música está excelentemente concebida y resulta potente y rabiosa en su parte de acción en la dramática adolece de mayor conservadurismo y reticencia a exponerse pese a construir un sensacional e inspirado tema para el nuevo parque.

Uno de sus hijos favoritos, Pixar, le reclamaba para poner música a su nueva obra maestra Inside/Out y  el compositor, de nuevo, se mostraba como pez en el agua componiendo una música muy juguetona y alegre, en ocasiones deliberadamente excesiva y acertadamente expresiva. Sabe jugar con la esencia de los personajes presentándolos de forma muy original y divertida y la parte dramática (mucho más desagradecida de componer) es solventada con gran eficacia y responsabilidad. El registro era completamente opuesto al de sus otros trabajos y tal vez sea el proyecto en el que más a gusto se le ha visto al compositor.

Desde hace mucho tiempo Michael Giacchino se está convirtiendo no sólo en una garantía de eficiencia sino de trabajo, inspiración y profesionalidad, amén de toda una referencia entre los grandes compositores. Tal vez sea el compositor más en forma en la actualidad, al que se le presentan mayores retos y todos ellos los afronta con la ilusión de un principiante y la constancia de un currante de esto que llamamos música de cine. Por todo ello creo que merece ser considerado el mejor compositor de 2015.

2- James Horner

No podía haber una mejor despedida de la música que con tres trabajos de índole tan distinta pero que a la vez definían perfectamente el carácter del compositor. En Le Denier Loup Horner nos dejaba esa impronta épica que tanto ha caracterizado muchas de sus obras, componiendo un tema principal memorable que aunaba lo espiritual con lo terrenal y que convertía al lobo, animal, noble, audaz, fiero a la hora de defender su territorio en leyenda. Paradojas de la vida.

La música étnica, tan de gusto del compositor americano, también tendría su protagonismo en The 33 dónde veríamos al Horner más sencillo en su aspecto melódico a la vez que intimista y radiante en lo evocador e incluso lo lírico construyendo un tema central optimista, de gran fortaleza y confianza que invitaba a aferrarse a la vida y no dejar que tu último aliento te venciese. Paradojas también.

Vemos de nuevo a ese compositor que tenía la misma facilidad para adaptarse a un proyecto más complejo como a uno más sencillo como éste. De corte completamente opuesto, más sombría y apesadumbrada, más elaborada en sus ásperas, incómodas pero aún así fascinantes y trabajadas texturas dramáticas es Southpaw en la cual mostraría ese lado más experimental y ecléctico que tanto explotó en décadas como las de los 80. El piano, otro gran protagonista en muchos de sus trabajos, se volvía a convertir aquí en el hilo conductor de la historia trasladándonos de forma sutilmente estremecedora al infierno que vive el personaje principal. En todas a ellas, a su manera, nos muestra a un compositor osado y que sabe adaptarse a la misma esencia de la película, tremendamente comprometido con los personajes y en explorar con su música los estados de su alma. Sentido y sensibilidad, que diría aquel.

En México todos los años se celebra el Día de los Muertos. Es un día festivo, en el que los vivos hacen ofrendas a sus seres queridos. Hay rituales, folklore, danzas. En ese momento están más presentes que nunca. La muerte se convierte en un momento de gozo, de dicha y de unión. No hay adiós, sólo amor como rezaba uno de los tracks de esa obra maestra que es The Perfect Storm. La muerte, para los que creemos que hay algo más, no es más que el paso de un estado material a otro espiritual. Ese día, más que otro, ese tránsito es tan ligero, tan insignificante que no nos damos cuenta de que los que perdimos siguen al lado de nosotros. Sólo hace falta escuchar.

3- Daniel Pemberton

Se ha convertido en el compositor revelación del año gracias a su eclecticismo a la hora de adaptar música, su tono más ligero, desinhibido y despreocupado y su habilidad para experimentar y jugar con la música creando originales y renovados ambientes para las película a las que música.

Así lo ha demostrado en la refrescante y muy cool The Man from U.N.C.L.E. con una suerte de ritmos que va desde el pop al funk pasando por el jazz y lo percusivo pero adaptándolos al carácter de la música más moderna creando una banda sonora realmente resultona que nada entre el clasicismo más underground y la sofisticación de la música actual o en la sorprendente Steve Jobs dónde consigue una inspiradísima fusión entre música electrónica y orquestal en lo que es todo un alarde de brillantez expositiva, eclecticismo musical y renovación melódica en el género dramático para la películas.

4- Craig Armstrong

Craig Armstrong es un compositor que nunca hace ruido pero que siempre está ahí. Este año nos trajo dos trabajos de marcada impronta clásica y que recobraban ese sabor añejo de las partituras más puramente sinfónicas y románticas de antes. Para Far for the Madding Crowd construyó una bella partitura de corte romántico, muy bucólica y de contenido dramatismo que recordaba mucho a lo hecho por compositores de corte también clásico como Rachel Portman pero de carácter mucho más refinado y cohesionado en sus temas.

Victor Frankenstein es, sin lugar a dudas, una de las partituras más intensas y apasionadas del año y lo es por su apabullante sinfonismo, desaforado dramatismo y una impronta romántica subyugante en su decadencia y dolor. Contiene uno de los temarios más sólidos, excepcionalmente concebido y mejor hilvanado del año y un impresionante rush final desbordante en su  sentido trágico. Armstrong merece estar entre los mejores del año por su entrega y su siempre esmerado cuidado por la música.

Aunque las tres bandas sonoras hechas por el compositor murciano este año no han tenido gran calado ni han gozado del favor de los aficionados sí que ha demostrado su enorme versatilidad componiendo música para géneros tan dispares como el terror, el cine de aventuras y la comedia. Para Regresión consiguió crear una particular atmósfera de opresión y enrarecimiento con una música muy críptica y oscura sabiendo mantener los tiempos de la acción a la perfección y haciendo de su sinuoso y siniestro uso del piano su principal sello de distinción.

Para Ocho apellidos catalanes  se sumergió con total solvencia en la música más ligera y desenfadada muy del estilo de Henry Mancini o Dave Grusin consiguiendo un clima de romanticismo y jovialidad realmente delicioso e inspirado en sus temas.

En In the heart of the sea tuvo que someterse a los grandes factos de la maquinaria hollywoodiense y adaptar su música a los más puramente rutinario y comercial de la música de acción actual tomando unos tintes que se acercan más a lo aparatoso y mecánico que a lo más puramente artístico o plástico; pese a ello consigue que sus temas sobrevivan dentro de la película otorgándoles cierta entidad y manteniendo intacta la misma esencia melódica, lo cual le da un plus de mérito. Es pues por este espíritu camaleónico y su solvencia a la hora de transgredir cualquier tipo de género, obstáculo (relativo a la calidad de la película) o cortapisa impuesta por la industria por lo que Roque merece estar entre los mejores compositores del año.

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Gracias a todos y hasta el año que viene.